1963, cela fait déjà quelques années qu’une certaine idée du western européen existe, venant combler le vide laisser par une école américaine désormais presque entièrement tournée vers la télévision. Les allemands, les espagnols et même les italiens ont déjà livré quelques évocations fantasques, pas toujours des plus mémorables venant copier les grands classiques et se faisant bien souvent passer pour d’authentiques productions US. Pour son premier western Sergio Leone ne dérogera pas à la règle signant le film sous un pseudo, comme tous ses collègues ritals. Il a cependant des ambitions nettement plus importantes que la plupart de ses homologues de l’époque et surtout une passion totale pour cette culture américaine, vécue comme un vent de fraicheur après une enfance passée dans l’Italie de Mussolini. Assistant plébiscité par ses pairs, venus achever quelques péplums d’autres avant de signer un Colosse de Rhode nettement plus enthousiasmant que le veut la légende, il peut enfin s’adonner à un genre qui lui parle vraiment avec le western. Même s’il avouera toujours l’influence qu’a sur lui ses origines italiennes, via les fumetti, la comedia del’arte ou les spectacles de marionnettes siciliennes, il est totalement habité par les grands films noirs et les westerns de John Ford. Il faut en effet beaucoup d’amour pour être capable de faire exploser comme ici les codes habituels du genre et surtout dépasser allègrement la représentation plutôt sage du modèle américain tout en réveillant constamment à l’écran toute la force mythologique du genre. Et tout ça en s’appuyant fortement sur un film de sabre japonais, le Yojimbo d’Akira Kurosawa.

Y en a sous le poncho !

Une sorte de melting pot d’influences qui font naitre une nouvelle branche du cinéma populaire : le fameux western spaghetti. Un monde de l’ouest plus crasseux et brutal que jamais, où la moralité à définitivement foutu le camps au profit de l’appât du gain et du pouvoir, personnifié par des hordes de truands s’étripant en pleine rue au grand désespoir d’une population pas toujours innocente, effacée, silhouettes témoignant d’un théâtre baroque dans lequel semble se fondre à merveille un « homme sans nom ». Un mercenaire froid et taiseux, manipulant les deux clans ennemis moins pour sauver la veuve et l’orphelin que pour renflouer ses comptes et satisfaire son attrait pour le chaos. Un regard ironique, cruel aussi sans doute, porté par le talent de ce jeune acteur venu outre-Atlantique et simplement connu pour son rôle récurrent dans le très populaire Rawhide, mais affublé ici d’une barbe de six jours, d’une veste en peau de mouton mal taillée et d’un poncho en laine qui va rapidement devenir iconique. Une figure inédite dans le genre mais qui, comme beaucoup d’autres éléments du film, va rapidement être copié par une horde de productions opportunistes. A commencer par cette âme opératique construite par le rythme volontairement lent de la caméra, les surcomposition de plans, l’utilisation d’un espace symbolique, l’étirement de l’action et les envolées lyriques et épique d’un Ennio Morricone qui réinventent totalement l’espace sonore du western. Habillé de cloches, de voix, de sifflements, de cordes et d’une guitare électrique qui s’élève comme pour glisser une certaine mélancolie dans la truculence des personnages et des situations, la partition vient souvent habiter l’espace, lui donner son pouls, son identité et son rythme soulignant l’évidence de la collaboration entre le maestro et Leone.

Comme un monde nouveau qui nait encore et toujours devant nos yeux, Pour une poignée de dollars surprend par la maturité totale de cette transformation d’un genre ultra codifié et l’éclosion imposante d’artistes jusque-là peut connus (Leone, Morricone, Eastwood mais aussi le fabuleux Gian Maria Volonté en chef de gang), et qui fascine toujours autant par cette rigueur stylistique, cette inventivité constante alliée à un immense sens du spectacle et du divertissement populaire. Du grand art, déjà.