Quelques années avant que Kinji Fukusaku ne vienne tout fracasser avec ses Combats sans code d’honneur et leur vision réaliste, brutale et sans concession de l’univers criminel des yakuzas, ce dernier était exploré avec nettement plus de romantisme par les studios japonais. Le Ninkyo Eiga, versant moderniste des anciens films de samouraïs, transformait, sous l’impulsion de financement obscures et douteux dans les arrière-cours des studios de cinéma (et en particulier la Toei), les contours misérables et peu reluisants de la criminalité en bande organisée en nouveau royaume habité par des rônins aux cœurs d’or, des clans fiers et protecteurs et surtout habité par un code d’honneur à toute épreuve. Un genre essentiellement masculin naturellement mais où apparait en 1968 cette fameuse Oryu, figure tragique marquée par l’assassinat de son père et l’annulation de son mariage, décidant de prendre à son tour les rênes de son clan quitte à rejeter sa « féminité ». En vrai, celle-ci restera éternellement intacte, l’actrice Junko Fuji (devenue immédiatement une star) affichant une grâce et une élégance constante, mais c’est surtout à son existence de femme traditionnelle qu’elle doit dit au revoir et ses multiples rencontres avec des hommes bien attentionnés (fougueux ou paternalistes) qui finiront tous tués sur le chemin, et avec des substituts d’enfants qui la renverront systématique à un rôle de mère interdit, seront toujours là pour lui rappeler.

Un destin tout tracé

Passé un scénario qui repose essentiellement sur la découverte du commanditaire du meurtre du père et de la vengeance qui en découle dans le premier La Pivoine Rouge, le reste de la série enverra notre héroïne à travers les routes du Japon, apprentie chef yakuza en quête d’enseignements et de futures alliances, qui telle Zatoichi le masseur aveugle, en profitera pour aider les faibles, servir souvent de diplomates au cœurs de rixes entre clans ennemis et mettre fin aux exactions de familles ayant oublié les lignes à ne pas franchir. Comme beaucoup de sagas de ces époques-là, les films répondent alors à un canevas presque immuable avec une lente montée en pression des enjeux et des drames humains jusqu’à une explosion finale dans une bataille de plus en plus sanglante où méchants et alliés tombent comme des mouches. Un ballet toujours prévisible où l’ordre est systématiquement rétabli mais dont Oryu repart inévitablement solitaire. Profitant de la collaboration des meilleurs artisans de la Toei, mais aussi de guest remarquables comme Ken Takakura (Black Rain, Golgo 13…), Koji Tsuruta (le James Stewart japonais), Bunta Sugawara (futur star des Combats sans code d’honneur) ou Tomisaburô « Baby Cart » Wakayama (dont le personnage bouffon aura même les honneurs de deux films spin-off), les métrages assurent tout du long un excellent niveau de qualité autant dans la mise en scène que dans l’interprétation, et même l’écriture où les répétitions et apparitions de même acteurs dans des rôles différentes d’un film à l’autre deviennent aussi codifiées que les multiples cérémonies mafieuses ou les duels nébuleux aux cartes traditionnelles.

Les plus belles de ses fleurs

Il faut tout de même observer que dans cette longue balade, trois films ressortent largement du lot. Confiés au cinéaste Tai Katô, assistant réalisateur de Daisuke Ito et d’Akira Kurosawa sur Rashomon, Le jeu des fleurs, Le Retour d’Oryu et Prépare-toi  mourir (soit les épisodes 3, 6 et 7) exacerbent largement les aspects mélodramatiques du récit en rapprochant cruellement l’héroïne d’une cellule familiale qui pourrait être sienne, joue sur sa tendresse avec les enfants (petite fille aveugle dans le 3, petit garçon casse-cou dans le 7) mais aussi scrutent un environnement social beaucoup plus fouillé. Prépare-toi à mourir évoque ainsi directement la confrontation d’un monde ouvrier et agraire aux dégâts d’une usine polluante dirigée d’une main de fer par des vilains yakuza alliés aux militaires et à des politiques véreux, tandis que Le Retour d’Oryu se focalise sur le destin de la jeune protégée, orpheline, s’efforçant de trouver sa place au sein d’une compagnie théâtrale gangrénée par les intérêts mafieux (allusions directes aux coulisses de la Toei ?). Outre une profondeur plus marquée, ces trois films profitent aussi d’une réalisation nettement plus maniériste, presque baroque parfois et volontairement théâtrale aux lisières du fantastique dans son utilisation des décors de studios et des peintures sur toiles qui célèbrent les émotions et la violence qui menace constamment d’éclater à l’écran.

Symbole à la fois d’un cinéma grand spectacle à l’ancienne et d’un Japon résistant face à la modernisation du pays provoquée par l’influence occidentale (et particulièrement américaine), les Lady Yakuza marquent aussi une date importante dans un grand pas vers les figures d’héroïnes féminines fortes et combatives. Avec encore beaucoup de romantisme et de calme apparent, la sublime Pivoine rouge annonce les sukeban furieuses à venir, mais aussi ces grandes icônes vengeresses incarnées par Meiko Kaji dans Lady Snowblood et La Femme scorpion. Un jalon incontournable du cinéma d’exploitation japonais.