La comparaison avec l’auteur de La Ligne rouge est sans doute exagérée mais les points communs forcent le jeu. Vingt ans de carrière et trois films seulement ; un cinéma lorgnant vers le contemplatif, un noyau de spectateurs scrutant les réseaux pour anticiper son retour, des acteurs se portant d’office volontaires pour tourner avec lui… Nombreuses sont les références. Malgré ses projets avortés, son rêve de tourner avec Cate Blanchett vire au fantasme. Reprenant l’adage où l’on n’est jamais mieux servi que par soi-même, le réalisateur/scénariste lui écrit un scénario dans le genre « offre que l’on ne peut pas refuser » capable de la propulser vers un troisième Oscar. Passionné de musique classique et plus particulièrement de Mahler, il l’imagine cheffe d’orchestre de renommée internationale sur le point de sortir un livre et dispenser au monde la plus belle interprétation de sa cinquième symphonie. Un rôle en or que l’actrice ne peut refuser. Elle s’immerge fidèle à son habitude dans son interprétation, côtoie le milieu, apprend les méthodes de chef et se met à l’allemand pour plus de crédibilité. Si les autres acteurs ne déméritent pas à ses côtés, on ne peut que reconnaître qu’elle porte inévitablement le film sur ses épaules. Mais celui-ci reposerait-il sur son seul talent ?

Jolie Coquille

Plonger dans Tàr relève du défi. A moins d’être shooté à la caféine, nombreux spectateurs risquent de rester sur le carreau. 2H38 c’est long ; très long même si l’on n’est pas préparé. Le film a des parties prix radicaux, quitte à décontenancer. Il s’ouvre sur le générique de fin présentant toute l’équipe technique (les acteurs clôtureront le film avec leur propre crédit). Les premières séquences débutent sur des tunnels de conversations autour de la musique classique avec une mise en scène millimétrée. Les plans/contrechamps isolent ses acteurs dans des cadres aussi précis que calculés. L’on y suit Cate Blanchett dans ce parcours opératique entre plans séquences-virtuoses et discours ambiguë. Todd Field n’explique rien, son film est tantôt une expérience sensorielle, tantôt un constat de notre monde. Une femme prête à tout dans un monde dominé par la masculinité ; ce caractère dur ne connaît pas de limite, vindicative, elle pousse son entourage au burn-out en inversant les rôles du harcèlement. Ce cœur de pierre est au bord du gouffre, de la folie. La mise en scène frôle la paranoïa, se veut inclusive, parfois onirique. L’image impeccable de maîtrise se décadre, se déforme, lorgne par moment vers le cinéma lynchien, nous vend du Kubrick mais l’on se plongerait plus volontiers dans l’univers d’un Darren Aronofsky. Le film est sur le point de vaciller à chaque moment. Le spectateur est dans l’attente, il a beau s’être abandonné, vécu l’expérience, avoir compris le discours ; il se demande où sa patience va le mener. Sa curiosité va bien finir par être récompenser alors il attend, il attend et attend encore. L’emballage est trop beau pour qu’il s’abandonne à la résilience, il sent cette dernière partie comme déterminante, il tient, il tient et … générique de fin.
Trois heures ont passé. La lumière s’est rallumée. Pourquoi ? Non. Pour quoi !