Pourtant le couple auteur du métrage, Willard Huyck et Gloria Katz (elle n’est créditée qu’au scénario cependant), n’était pas vraiment de grands amateurs ou connaisseurs du cinéma d’horreur. Des scénaristes qui sont alors en train de plancher sur le second long métrage du camarade d’université George Lucas, American Graffiti, et qui collaboreront encore par la suite avec ce dernier pour Indiana Jones et le Temple maudit, la comédie Radioland Murders et bien entendu l’injustement éreinté Howard The Duck qui pour le coup métra fin à leur carrière de cinéastes. Mais en cette aube des 70’s, l’opportunité de tourner enfin leur propre film avec qui plus est une certaine carte blanche assurée par un budget plutôt réduit, restait alléchant. La gestation et le tournage du film ne sera pas sans déroute avec des financiers qui disparaissent du jour au lendemain obligeant la production à stopper alors que le film, en particulier la fin, n’est pas tout à fait achevée. D’ailleurs le scénario, aux prémisses extrêmement classiques avec cette jeune femme qui recherche son père disparu dans une curieuse petite ville balnéaire, ne manque pas d’incohérences, de chemins inaboutis et de personnages lacunaires jusqu’à sa dernière bobine laissant place, par la force des choses, à un épilogue opaque et très ouvert. Mais c’est peut-être aussi cette structure toujours éclatée, ce cheminement chaotique et cette sensation de collages de silhouettes inexpliquées (dont un curieux bonhomme albinos inquiétant se trimbalant avec des hommes hagards dans sa remorque) et d’espaces distants, qui provoquent chez le spectateur cette curieuse fascination qui étreint.

Horreur à Point Dune

Un véritable film cauchemar, sans réelles frontières, sans cheminement classique, sans logique autre que la sienne qui rejoint forcément la famille du fameux Carnival of Souls de Herk Harvey, en particulier dans cette illustration troublante d’une héroïne féminine constamment au bord de l’hystérie, mais aussi par son contenu politique sous-jacent le film séminal de George A. Romero, La Nuit des morts vivants. Ici aussi les morts semblent envahir peu à peu l’espace et surtout remplacer des vivants aux comportement déjà mécaniques et décérébrés. La communauté, si chère à la culture américaine, laisse place à une présence menaçante, envahissante et claustrophobe qui transforme des lieux froids et contemporains comme un centre commercial (annonçant dès lors le Zombie de Romero) ou un cinéma (la lente prédation quelque part entre Les Oiseaux et L’Antre de la folie), où l’individualisme censé se fait littéralement dévorer. Précurseur certainement, jusque dans sa mythologie lovecraftienne d’arrière-plan, Messiah of Evil marque tout autant par l’utilisation brillante de la suggestion laissant toujours la pure violence et les effets sanglants hors champs (permettant alors de faire oublier les très faibles moyens) et la construction visuelle inspirée appuyant toujours sur le contraste entre les lignes fortes de la modernité galopante, les ténèbres de puissances païennes persistant dans l’ordre naturel (la séquence de « culte » sur la plage) avec comme point de rassemblement et d’achoppement la demeure du père. Une vaste propriété aux façades presque entièrement recouvertes de peintures aux perspectives faussées et aux silhouettes anonymes à la fois lointaines et toujours prête à sauter sur les vivants.

Avec son utilisation inspirée des noirs et des filtres de couleurs, ses plans précis et visionnaires, son atmosphère onirique plongée dans des musiques électroniques limite conceptuelles et bien flippantes et son cadre de film d’exploitation totalement transfiguré par son surréalisme, Messiah of Evil, est véritablement un jalon incontournable du cinéma d’horreur.