L’Irlande a et aura toujours eu une place à part dans le cœur de Ford. Fils d’immigrés de ce beau pays, il a été bercé dans cette culture familiale qu’il s’est logiquement accaparé avec tout le folklore qu’il en découle. Bien avant les célèbres films qui feront sa réputation, il abordait sa terre natale dans les films engagés et politiques que sont Le Mouchard et Révolte à Dublin respectivement tournés en 1935 et 1936. Le sujet lui tient à cœur, ses racines sont là. Alors lorsqu’il tombe durant cette même année sur le roman homonyme du romancier à succès Maurice Walsh, il s’empresse d’en acquérir les droits pour en faire son adaptation cinématographique. Une partie de plaisir lorsque l’on est un metteur en scène fraichement oscarisé mais malheureusement pour lui, la réalité est tout autre et le film mettra prés de 16 ans à se monter.

Pas si tranquille

Changement de producteur, de studios, film pas assez bankable. Les raisons bonnes ou mauvaises sont nombreuses. John Ford excelle dans les westerns, les cowboys, indiens et charges de cavalerie. Tout cela, il connait ; il les a filmés maintes et maintes fois avec classe mais aussi il faut bien l’avouer par dépit à certains moments. Il rêve d’autres choses, de sujets qui lui sont proches, de nouvelles approches lui permettant de creuser différemment ses personnages. Les raisins de la colère et Qu’elle était verte ma vallée semblent confirmer ses dires avec deux nouveaux Oscar à la clé, mais rien n’y fait. Pour gagner son indépendance pour ce projet auquel il tient particulièrement, on lui demande à nouveau de refaire un western à succès histoire de rassurer les investisseurs et Rio Grande sera celui-là. Il trouve en Merian C. Cooper (l’un des hommes avec Ernest B. Schoedsack derrière le fameux King-Kong de 1933), le producteur idéal qui le laissera tourner dans le village irlandais de Innisfree (haut lieu touristique depuis ce jour). Il embarque dans son aventure son équipe et sa famille de cinéma : Victor Mc Laglen, son frère Francis Ford et bien entendu son alter ego John Wayne à qui il colle Maureen O’Hara pour lui mener la vie dure. C’est là qu’est la vraie force du film en dehors de toutes ses qualités techniques. Le duo fonctionne à merveille et Ford établi par ce film un discours sur l’émancipation de la femme dans un monde d’hommes. Il prend un réel plaisir à empêtrer John Wayne dans son machisme tout en lui faisant garder la tête haute. Son film regorge de scènes d’anthologie comme la fameuse scène du baiser repris avec amour par Spielberg dans une scène mémorable de son E.T., la longue scène homérique du combat final (John Carpenter s’en serait-il inspiré pour celle d’Invasion Los Angeles, Humm) et cette scène à la limite du surréalisme où John Wayne se revoit en flash-back dans une séquence de boxe. Un sommet à elle seule. Il ne faut pas omettre également l’art de Ford à filmer ses décors naturels en technicolor comme autant de lieux vivants, ni la ritournelle musicale et entêtante de Victor Young. Autant d’arguments majeurs pour se replonger dans une des œuvres les plus intimes de son réalisateur. Car le vrai John Ford est là. Il fixe l’âme humaine comme il fixe l’horizon en faisant de son film irlandais le film de tous les immigrés, les italo-américains, les juifs, les hispaniques, tous se sont reconnus dans ce film et vont le plébisciter pour en faire l’un des sommets de la carrière de son réalisateur.

Le film obtiendra deux statuettes : l’une pour la photographie et une pour la mise en scène faisant de John Ford avec quatre Oscar le réalisateur le plus primé de sa catégorie. Et ce record n’est toujours pas près d’être battu.