Projet typique du cinéma américain des années 90, qui voyait se multiplier les adaptations de romans à succès du moment, mettant en scène différents combats contre les injustices sociales, judiciaires ou politiques, L’homme Sans Visage était le parfait véhicule à Oscars pour son studio Warner Bros.
Tiré du roman du même nom d’Isabelle Holland, l’histoire raconte l’amitié entre un jeune adolescent atteint de troubles mentaux avec un homme, ancien professeur, vivant à l’écart de la société suite à un accident le laissant défiguré et dont la relation qu’il entretenait avec son élève, décédé dans ce même accident, est la source de nombreuses rumeurs à son sujet. Rien ne semble vraiment différencier ce projet des autres mélodrames hollywoodien que l’on pouvait voir à l’époque, si ce n’est que L’Homme Sans Visage en plus d’être interprété par Mel Gibson, l’une des plus grandes stars de l’époque, est aussi sa première expérience dans la réalisation. L’acteur avait déjà fait quelques tentatives de projets comme le Hamlet de Zefirelli ou Forever Young de Steve Miner, lui permettant de sortir de l’image d’homme d’action associé à Martin Riggs ou Mad Max, et cette adaptation produit par sa propre boite de production, Icon Entertainment International, créée quelques années auparavant, était l’occasion rêvée de casser cette image, devant et derrière la caméra.

Larmes Fatales

Si l’on découvre L’Homme Sans Visage aujourd’hui, on pourra être étonné de la mise en scène assez timide quand on sait ce qu’il en fera dès son second film, ce que ce premier essai confirme par contre c’est un indéniable sens du rythme lors des dialogues et, surtout, le talent de l’acteur dans la direction d’acteur. Si Mel Gibson tient le rôle principal c’est surtout par défaut puisqu’à la base, le rôle avait été proposé à Jeff Bridges et William Hurt, Gibson préférant se concentrer sur la réalisation, mais leur indisponibilité contraint le réalisateur à finalement endosser le rôle-titre. Une décision judicieuse puisque la relation professeur-élève qui lie Justin et Chuck semble se nourrir de celle de réalisateur-acteur entre Mel Gibson et Nick Stahl et en ressort comme le point le plus réussi du film.
Adoptant uniquement le point de vue du jeune adolescent, le film oscille entre une innocence enfantine toujours présente et le début de l’entrée dans l’âge adulte, les conversations entre amis peuvent aussi bien porter sur les comic-books que sur les filles et ses disputes avec ses sœurs vont de la chamaillerie avec la plus jeune aux disputes violentes avec l’ainée. Cette dichotomie présente partout dans le film est parfaitement symbolisée par le trouble psychologique dont souffre Chuck qui lui fait brutalement couper tout contact avec le monde extérieur pour se réfugier dans un monde onirique ce qui lui donne une vision du monde altéré et le rapproche naturellement de la solitude de Justin McLeod car si Chuck souffre de cette dissociation à l’intérieur de lui, Justin la porte sur son corps. Grand brulé à la suite d’un accident de voiture où a péri un de ses anciens élève, le professeur vit à l’écart de la ville et est la source de toute sorte de rumeurs, suscitées avant tout par sa condition physique plutôt que par l’accident qui l’a engendré. L’histoire met donc en avant l’hypocrisie d’une société qui met l’apparence comme valeur première d’acceptation au point que tous possèdent un double visage (en public et en privé) et que les marginaux, de par leur rejet, semblent finalement être les plus intègres et humains de tous.

Un message bienveillant, illustré par la très belle scène où Justin et Chuck jouent le monologue de Shylock du Marchand De Venise, qui met en exergue la peur et la haine des différences, qui pousse à dénier l’humanité de l’autre. Si cette scène à l’époque pouvait être vu comme un clin d’œil à un autre personnage de Shakespeare que Mel Gibson (grand admirateur de l’auteur) avait interprété, Hamlet, la revoir de nos jours fait inévitablement tiquer quand on connait les propos antisémites et homophobes que l’acteur a lui-même tenu plusieurs fois. Une dichotomie qui se retrouve donc aussi chez Mel Gibson, (et qu’il mettra aussi en scène dans La Passion Du Christ puisqu’après avoir filmé avec empathie la souffrance de Jésus il filmera sa propre main en train de le crucifier) et qui permet de mieux comprendre l’intérêt qu’il porta au script du film et son regard pas totalement négatif sur les autres personnages. Notamment ceux de la mère et la grande sœur de Chuck présentées, l’une comme superficielle, et l’autre extrêmement méchante, mais qui laissent transparaître plusieurs fois (encore dans l’idée des différents visages) une douleur liée à la perte du père de Chuck.

L’Homme Sans visage est donc un premier essai intéressant dans les thématiques déjà présentes que Mel Gibson allait aborder par la suite dans son cinéma (et qui est sans aucun doute un vrai cinéma d’auteur) mais sans encore la maestria visuelle qu’il va mettre en place à partir de son film suivant. Mais si vous ne voulez pas tout de suite rentrer des choses sérieuses (c’est à dire la violence brut) le film reste tout de même une excellente porte d’entrée dans l’univers de ce réalisateur aux nombreux visages.