La vie du cinéaste est clairement scindée en deux époques séparées par la Seconde Guerre Mondiale. Son vécu et les circonstances de la vie le voient embrasser deux modes de pensées diamétralement opposées sur le papier. Cinéaste contestataire d’avant-guerre, nationaliste convaincu, Tomu Ushida fait ses armes au mythique studio Nikkatsu. Son endoctrinement très japonais l’amène à soutenir le gouvernement japonais dans sa conquête chinoise et part durant le conflit pour s’installer en Mandchourie afin d’y tourner ses films. Capturé par les Chinois il découvre la pensée de Mao et le communisme. Ce retournement de mode de pensée sera déterminante et palpable tout au long de sa seconde partie de carrière. Ce résumé biographique est important pour qui veut explorer et comprendre son cinéma. S’il se spécialise dans les années 50 aux films en costumes pour la Toei, ceux-ci se ponctuent d’idées sous-jacentes sur les rapports entre les classes sociales. Cette thématique transparaît encore davantage dans ses films contemporains comme La Dernière Extrémité et surtout ce Detroit de la faim qu’il tourne entre deux épisodes de sa saga sur le célèbre Miyamoto Musashi.

Engagement

L’importance du Detroit de la faim se situe à plusieurs niveaux grâce à la sagacité de son scénario et de sa réalisation parfois proche de celle d’un documentariste. Le Japon se redresse lentement de sa défaite du Pacifique ; la population habituellement plus docile commence à manifester sa désapprobation après dix ans de reconstruction et de restriction. Sans s’appesantir et y passer plus de temps qu’il n’en faut, Ushida, évoque de façon adroite ce contexte en les illustrant brièvement par des manifestations contre le rationnement, des problèmes syndicalistes ou politiques. Le personnage principal interprété par Rentaro Mikuni incarne à lui seul cette transformation sociétale. Son récit débute par son évasion et sa misère dans laquelle son pays l’a laissé pour se poursuivre dix ans plus tard par son extraordinaire réussite financière. Deux faces d’une même pièce, deux états d’esprit. Limiter ce long-métrage à un film social serait dévaluer sa portée. Par son sens de la dramaturgie, Tomu Ushida, mélange habillement les genres. Le Détroit de la faim, s’enrobe d’une enquête policière qui est la matrice principale de son film un peu à la manière d’Entre le ciel et l’enfer d’Akira Kurosawa. Sa mise en scène développe des éléments stylistiques novateurs pour un cinéaste ayant grandi dans le cinéma d’avant-guerre. L’enquête avance au gré des différents points de vue des policiers et au gré de leurs théories. Celles-ci s’illustrent visuellement par une image proche du rêve comme pour le monde japonais où le citoyen ne sait plus ce qui vrai ou ce qui est bon. Le personnage principal étouffe par un passé qu’il préfère oublier, sa présomption d’innocence s’amenuise tel un piège révélant que malgré sa réinsertion sociale il n’y a pas de rédemption.

Métaphorique, Le Détroit de la faim fait partie de ces films qui parlent d’une époque, d’un pays, d’un peuple, d’une nation en péril. Considéré comme l’un des meilleurs films japonais de tous les temps, la séance de rattrapage devient dès lors indispensable.