Adapté d’un roman éponyme de William P. McGivern, Le Coup de L’escalier sort en 1959 à une époque où le film noir a déjà connu son heure gloire et son apothéose, dix ans plus tôt, avec L’enfer est à Lui de Raoul Walsh, qui concluait un cycle de portraits de bandits romantiques et névrosés dans un final apocalyptique. Le roman d’origine se situe complètement dans cette lignée avec un duo de personnages qui se détestent (un blanc raciste et un noir), devant faire équipe pour monter un casse. La fin voyait les deux hommes passer outre leur haine initiale pour réussir leur coup et finalement devenir amis. Une histoire qui aurait pu donner un polar classique mais son producteur (et acteur) Harry Bellafonte et son réalisateur Robert Wise vont l’amener vers d’autres rives.

Effectivement la première version du scénario restait plutôt fidèle à la trame globale du roman mais le réalisateur propose une fin beaucoup plus nihiliste qui, au lieu de voir une réconciliation des deux hommes, dessine une fracture irrémédiable qui va mener à une tragédie. Une vision à laquelle Harry Belafonte, très impliqué dans les questions sociétales de l’époque, adhère pleinement et qui permettra au film de ne pas ressembler à La Chaîne, sortit l’année précédente avec Tony Curtis et Sydney Poitier. Une fois ce parti-pris posé, l’écriture du film va se modifier puisque plutôt que de tendre vers une transformation des personnages, le récit va se concentrer sur leurs névroses et sur une réflexion sur le temps qui passe. Ce qui fait du Coup de l’Escalier une passerelle entre deux œuvres célèbres de Robert Wise, Nous Avons Gagné ce Soir pour sa gestion du temps et West Side Story pour son traitement du racisme.

Noir c’est noir

Deux éléments qui sont retranscrits dès le générique d’ouverture avec le très beau thème de John Lewis dont les notes de piano font ressortir toute la mélancolie des personnages et les premiers plans qui nous montrent des rues complètement vides. Cette introduction est aussi une formidable façon de caractériser les deux antagonistes de l’histoire puisqu’elle nous les montre face aux mêmes personnages et situations. Slater derrière son sourire cache difficilement son agressivité (sa manière de parler à la petite fille noire) et son mépris (face au groom) alors que Ingram beaucoup plus amical montre déjà son caractère de flambeur, avec sa voiture de sport et l’argent qu’il donne aux enfants pour qu’ils la surveillent.

Tout le reste du film sera une exploration de ces deux personnalités que tout oppose et souvent dans des situations miroirs : leurs rapports avec les femmes de leurs vies, l’ex d’Ingram et mère de sa fille qu’il n’a pas su garder et qu’il aime encore, la compagne de Slater qui subvient à ses besoins et qui est la seule personne à qui il témoigne de l’amour et deux scènes de bar montreront leur côté autodestructeur et violent. Différents aspects qui se synthétiseront dans la longue séquence silencieuse et contemplative où les trois braqueurs passent le temps avant le rendez-vous fatidique et qui porte tout le drame à venir. Un drame (dont on gardera la surprise) d’une ironie cruelle mais à la symbolique implacable et qui hante les souvenirs bien après la vision du long-métrage.

Même après la sortit de son film, Robert Wise doutait de la pertinence d’avoir changé la fin du roman pour adopter une vision beaucoup plus nihiliste, sa ressortie de nos jours lui donne pourtant raison. Une fin optimiste aurait peut-être permis de finir le film sur un sourire de contentement mais il n’aurait sûrement pas traversé les époques comme il a fait, et gagner sa place parmi les chefs-d’œuvre du genre.