Imaginé une nouvelle fois par le duo Oscar Hammerstein (librettiste) / Richard Rodgers (compositeur) déjà à l’origine d’énormes cartons populaires comme La Foire aux illusions, South Pacific, Caroussel, Oklahoma et bien entendu Le Roi et moi, La Mélodie du bonheur, adapté lui-même du récit autobiographique de Maria Augusta Trapp ne pouvait pas échapper, comme les autres, à un passage au cinéma. Mais là où souvent il s’agissait surtout d’articuler quelques scénettes autour de numéros musicaux déjà célèbres, la production de La Mélodie du bonheur se montra nettement plus ambitieuse, la 20th Century Fox étant convaincue de tenir de l’or entre ses doigts. Elle fit d’ailleurs des pieds et des mains pour convaincre Robert Wise, définitivement auréolé du succès de West Side Story trois ans plus tôt, de prendre la charge de sa réalisation. Pertinent certainement, cet immense artisan de l’ère des studios démontrant une nouvelle fois sa capacité à donner corps sans rupture de rythme, sans facilité et sans abus de naphtaline à une grande fresque musicale à l’ancienne, durée de près de trois heures et entracte comprise. Sa gestion de l’espace lors de ses scènes chorégraphiées (Do-Re-Mi qui s’achève par des escaliers transformés en partition, la danse romantique sous la tonnelle alors que la pluie tombe drue…), son utilisation brillante des paysages naturelle explosant dès le gigantesque travelling d’ouverture, l’alternance maitrisée entre les intérieurs de studios et les extérieurs, sont une fois encore des petits trésors de savoir-faire et d’inspiration.

«  The Hills are Aliiive… »

Surtout, en bouleversant quelque-peu l’ordre des chansons, en évacuant certaines pour en faire produire deux inédites, et en se recentrant régulièrement sur des personnages capables de plus nombreuses pauses parlées plutôt que chantées, il insiste sur les instances dramatiques du film. Le triangle amoureux mis en place dans la première partie entre  « le capitaine » , la baronne et bien entendue l’adorable et fantasque nourrice y gagne une bonne part de maturité et de véracité (aidé il faut bien le dire par d’excellents dialogues en allusions et des acteurs hors-pairs) , tandis que le revirement beaucoup plus sombre du dernier tiers du film se fait avec un glissement nettement plus naturel et logique. D’ailleurs, cette évocation conclusive de la fuite de la famille Trapp pour échapper à l’enrôlement de force du père dans l’armée Nazi, rappelle aussi que Robert Wise est un petit maitre du suspense : la traque silencieuse dans le cimetière du couvent est un petit bijou de mise en scène et de silences. Un grand film célébrant finalement tout ce que la méthode hollywoodienne pouvait apporter de meilleur, au service d’un spectacle musical rayonnant, confrontant une page noire de l’histoire avec un sentiment d’espoir et de vie toujours aussi réjouissant et emballant. Les mélodies n’ont certainement rien perdu de leur efficacité (difficile de ne pas taper des pieds en écoutant My Favorite Things ou I Have Confidence) et l’enthousiasme débordant de la fabuleuse Julie Andrews ne faiblira sans doute jamais. Avec un petit quelque chose de sa Marry Poppins, en plus espiègle et naïve sans doute, l’actrice emporte tout sur son passage et même le grincheux et rigide ancien héros de guerre joué l’air faussement pincé par un très sympathique Christopher Plummer, finira forcément à son tour à reprendre le chemin de la vie pour le plus grand plaisir des cœurs tendres.  

Un grand bonheur de cinéma familial et universel qui resta numéro 1 du box-office mondial durant 6 ans, faillit même détrôner Autant en emporte le vent et s’offrit dans la foulée cinq oscars dont meilleur film et meilleure actrice. Un classique, un vrai.