Même si le nom de King Hu est en ce début des 70’s l’un des plus célèbres du cinéma chinois et que ses premiers films de sabres sont déjà entrés dans la légende, King Hu reste un cinéaste extrêmement exigeant, maniaque et lent, ce qui n’est bien entendu pas sans conséquences dans ses relations avec les producteurs. Surtout quand son précédent opus, le sublime A Touch of Zen dépasse allègrement les trois heures et lui empêche une distribution classique… voir une distribution tout court. L’auberge du dragon marque ainsi d’une certaine façon sa volonté de faire à nouveau patte blanche et de rappeler sa capacité à livrer un cinéma d’action sans doute moins contemplatif, plus classique, et surtout de répondre à un format plus classique. Ce partenariat avec la Golden Harvest va ainsi lui permettre de prendre son temps pour mettre en forme Pirates et guerriers (aka The Valiant Ones) tout en signant L’Auberge du printemps en question ici, qui s’apparente ni plus ni moins qu’à une nouvelle variation autour des figures déjà richement explorées dans L’Hirondelle d’or et L’Auberge du dragon. On y retrouve bien évidemment à nouveau le cadre de l’auberge, véritable carrefour de la vie itinérante de la Chine ancienne, vivier de nombreux personnages hétéroclites et théâtre aux airs de huis clos pour un vaste complot où tout le monde cache plus ou moins son vrai visage et ses ambitions. Ici donc, il s’agit d’un groupe de résistants qui espère profiter du voyage d’un prince mongol et sa fille (les occupants) dans la région pour mettre la main sur un plan de bataille aussi nébuleux (pour le spectateur) que fatal pour l’issue de la guerre.

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Le film se déroule alors en deux grandes parties aussi différentes que complémentaires. La première, presque tournée vers le récit picaresque, voire la comédie, décrit les incessants va-et-vient dans la fameuse grande salle de repas, entre joueurs, tricheurs, clients affamés, musiciens envahissants, serveuses vindicatives, comptable affable, patronne séduisant le préfet local et quelques brigands qui passaient par là, où ce qui se joue en surface dissimule quelques tentatives de reconnaissances, quelques indices sur les alliés ou ennemis en présence. Une mise en place pleine de surprises, émaillée de rixes fantaisistes et spectaculaires, qui va laisser place à une seconde moitié beaucoup plus sérieux et tendue à l’arrivée de Lee Khan (Feng Tien, visage bien connu des classiques de la Shaw) et Lee Wan-erh (actrice fétiche de King Hu). Là, les pièces sont en place et la danse peut commencer, le cinéaste se montrant toujours aussi talentueux pour orchestrer les mouvements et déplacement de ses personnages dans l’espace (l’utilisation du décor en profondeur et en dans la hauteur est brillante), mettre en valeur les regards et les tensions palpables, tout en délivrant quelques jaillissements d’une violence froide et rapidement dramatique. L’auberge du printemps n’est jamais dans la redite avec les deux chapitres précédents de la trilogie informelle des « films d’auberge », mais bien une nouvelle réinvention autant dans la forme, avec l’apport non négligeable du nouveau chorégraphe Sammo Hung plus porté la rapidité et les combats aux poings, que dans le fond. On note ici une démultiplication de la présence féminine, séductrice, stratège, guerrière et héroïne prête à tous les sacrifices, mais aussi un développement accentué de la place du méchant. Ce dernier, plus pragmatique que purement cruel, est sans doute le personnage le plus étoffé psychologiquement et celui qui doit, presque seul, résister à ses ennemis qui l’attaquent en masse lors d’un final dantesque hors des murs de l’auberge.

Presque un négatif des films de sabre habituels, et de la Shaw en particulier, ou le héros viril et indéboulonnable met à mal une armée à lui seul, et un attrait supplémentaire pour cette Auberge du printemps, qui réussit pleinement, pour revenir à un cinéma plus « populaire », à atténuer les élans poétiques et contemplatifs du maitre calligraphe, mais sans jamais perdre la grâce et la précision de son cinéma.