Pourtant Laurence Olivier est un authentique acteur shakespearien, de ceux qui se sont construits, formés et qui ont fait leur renommé grâce à leurs interprétations scéniques, puis leurs mises en scène de l’immense dramaturge. Cinquante ans avant Kennet Branagh (qui lui doit beaucoup) Olivier était même l’incarnation physique et artistique vivante de l’œuvre shakespearienne, une autorité en la matière. Mais celui-ci sait que l’une des forces des pièces de Shakespeare est de n’être jamais figées dans le temps et dans la forme, supportant aisément les adaptations, les remaniements et les visions les plus personnelles.  Point central de sa trilogie d’adaptations pour le grand écran, entre Henry V (1944) et Richard III (1955), Hamlet ne se refuse rien, et surtout pas les infidélités. Autant pour des questions de durée (la pièce de 4 heure est réduit à 2h30) que pour affirmer son propos, le cinéaste élague ainsi quelques personnages, escamote des scènes (essentiellement comiques) et recentre définitivement la pièce sur le portait trouble et ténébreux de son prince du Danemark. Il affirme d’ailleurs sa propre interprétation dès l’ouverture du film, actant par quelques lignes énoncées en off que la perte d’Hamlet sera son inaction. To Be or Not To Be. Vivre ou mettre fin à ses jours n’est finalement plus que l’une des hésitations parmi d’autre d’un héros vengeur qui ne passera à l’acte qu’une fois acculé par les manœuvres de son oncle fratricide.

« il délire, mais sa folie ne manque pas de méthode »

Plus introspectif que jamais, son Hamlet est aussi nourri par les analyses freudiennes de son époque, et cette approche qui verrait dans la relation du héros à sa mère une incarnation plus ou moins appuyée du complexe d’Œdipe. Par la symbolique (l’épée, le lit froissé) et par l’interprétation (les regards, les gestes, les baisers), Olivier ne fait que peu de mystères quand aux raisons profondes de la colère et du mal être d’Hamlet, se rapprochant alors fortement des atmosphères opaques, des ombres écrasantes et de certains codes narratifs (certains passages de monologues deviennent des voix off) du film noir. D’ailleurs là où le précédent Henry V donnait dans un Technicolor éclatant et jouait constamment sur des figurations médiévales, Hamlet opte pour un sublime noir et blanc, fort et contrasté, incarné dans des décors épurés, stylisés et souvent oppressants où les rares ouvertures se perdent dans une brume mystique que n’aurait pas renier l’impressionnisme allemand. Le théâtre s’y fait aisément oublier, sauf dans une sublime et centrale mise en abime, effacée derrière les fines compositions de plans, les constants mouvements de caméra, qui donne l’impression que le futur du père (ou la profonde folie d’Hamlet) hante littéralement toutes les scènes. Lugubre, presque horrifique parfois, mais éclatant et lumineux dans ses interprétations fiévreuses et passionnées, mené forcément par un gigantesque Laurence Olivier, mais où on ne peut que s’amuser aussi de voir un tout jeune Peter Cushing en courtisan maniéré et malhabile, très loin de ces futures figures d’autorités froides.

Une œuvre finalement moins proche de la vision complète et remuante qu’en donnera Branagh en 1996, que du Macbeth avant-gardiste et cauchemardesque d’Orson Welles sorti la même année, lui aussi grand maitre de l’œuvre shakespearienne, fabuleux acteur et immense cinéaste.