Le film de Bernard Rose, sorti sur les écrans en 1992, marqua sans doute plus encore toute une génération de jeunes blacks qui se reconnaissaient enfin à la fois dans le visage d’un monstre aux contours de martyr et une description sans fard des décors du quartier délabré de Cabrini-Green. Ce sont ceux-là qui, d’une certaine façon, offrent aujourd’hui un nouveau départ au personnage plus de vingt ans après un Candyman 3 Le Jour des morts de sinistre mémoire, en jouant sur la corde sensible d’un faux reboot / remake. Ce nouveau Candyman revient d’ailleurs plus ouvertement aux racines même de la nouvelle de Clive Barker, renouant avec un personnage aux formes changeantes, nourri de la rumeur de la communauté dont il est issu, de leurs rages et de leurs peurs, qu’il vient lui-même alimenter par ses agissements. Si le film reprend le titre simple de Candyman, il s’inscrit pourtant dans le prolongement direct du film de Bernard Rose, rebondissant sur un élément de son scénario, et l’inscrivant désormais dans le décor transformé d’un quartier de Cabrini-Green, métamorphosé en zone huppée, aux bâtiments de verre lumineux et aux galerie d’arts embourgeoisées. Jeune réalisatrice new-yorkaise et elle-même habituée de ce milieu artistique, Nia DaCosta (Little Woods et bientôt The Marvels) en fait le nouveau décor de l’apparition de la malédiction du Candyman qui vient habiter les toiles et créations d’un artiste en mal d’inspiration.

Les enchaînés

Avec une mise en scène d’une impressionnante profondeur, une élégance constante dans la construction des plans, sculptée par la lumière et les textures, la réalisatrice impose un riche contraste entre les restes de la zone urbaine rasée, gommée de l’histoire, et le résultat d’une gentrification brutale. S’il s’offre désormais de nombreux visages, Candyman est encore et toujours l’excroissance d’une injustice sordide subie par la population noire, et plus précisément ici les exactions sanglantes d’une police aveugle et raciste. Un écho évident aux évènements entourant la mort de George Floyd et la violence systémique, et historique, des autorités américaines envers une certaine catégorie de la population. Le message du film se fait plus clair et frontal que par le passé, et s’accompagne autant d’un verbe théorique omniprésent que d’une grande sophistication formelle. Une fois encore la réalisation, admirable, offre une atmosphère unique, complétée par les expérimentations musicales étouffantes et contemporaines de Robert Aiki Aubrey Lowe (avec une superbe reprise du thème de Philip Glass) ou ces splendides flash-back, prenant la forme de théâtre d’ombres macabre et cauchemardesque à souhait. Un maniérisme qui joue malheureusement aussi contre le film et qui ne laisse alors que peu de place à l’horreur pure. Les meurtres y interviennent presque à rythme égal, tout en hors-champs, invisibilité et jeux de miroir abyssaux, confortant à une abstraction où manque l’impact funèbre du film de 1992, son implacable viscéralité poétique.

Un quatrième épisode (avec une apparition mémorable de Jason Todd en personne) qui reste particulièrement surprenant, exigeant et inventif, mais qui à force de vouloir échapper au cadre du cinéma d’exploitation primaire perd une part de son âme en route.