Conçu par le producteur produit par Don Boyd (Scum, Honky Tonk Freeway), Aria se voulait une grande célébration d’un art musical séculaire, un spectacle fastueux qui remettrait aux goûts du jours les dorures des grandes salles d’Opera pour les amener aux plus près des spectateurs des années 80. Un rapprochement pas si étonnant (Beineix avait signé Diva en 1981) et totalement en accords avec l’esthétique typée, outrée et élégiaque de l’époque qui n’était effectivement pas une une réappropriation moderniste près. Les journalistes chagrins parleront alors du premier Opera façon MTV, mais avec la distance des années les couleurs flashy, la théâtralisation excessive de certains segments et l’outrecuidance contemporaine de certaines réalisations se sont largement bonifiés. Si Orson Welles, qui avait semble-t-il signé son contrat, décéda avant le tournage, que Fellini et Woody Allen durent décliner pour maladie ou planning déjà trop chargé, la liste des cinéastes attachés à l’objet reste toujours aussi impressionnante : Robert Altman, Bruce Bersford, Bill Bryden, Jean-luc Godard, Derek Jarman, Franc Roddam, Nicolas Roeg, Ken Russell, Charles Sturridge et Julien Temple. Relié par un fil rouge relativement sobre et classique dans lequel John Hurt incarne un chanteur épuisé et malade, hanté par l’image de son amour de jeunesse, se prépare à son ultime récital du fameux solo de Pagliacci, les différents segments apportent des pattes et des visions extrêmement différentes et assez inégales.

Cantates libres

La longue ouverture revisitant la tentative d’assassinat sur le Roi Zog d’Albanie sur le Un Ballo in maschera de Verdi par l’immense Nicolas Roeg (Walkabout, Ne vous retournez pas) ne reste pas dans les mémoires tout comme Abaris ou les Boréades de Jean-Philippe Rameau que Robert Altman (Nashville, The Player) accompagne uniquement d’une vision d’un auditoire baroque constitué de malades mentaux en costumes déchirés. Si certains peinent à s’approcher de la beauté des morceaux choisis, l’inattendu Franc Roddam (Quadrophenia avec The Who) transforme merveilleusement le Tristan und Isolde de Wagner en virée mélancolique et suicidaire d’un jeune couple (dont la toute jeune Bridget Fonda) dans un Las Vegas décadent. Superbe, tout comme le très sobre « Glück, das mir verblieb » de Korngold dont Bruce Beresford (Héros ou salopards, Miss Daisy et son chauffeur) préserve le sens initial pour donner corps à quelques plans d’un immense romantisme dans la chambre fantomatique d’une Bruges désertique et hors du temps. Mais se sont les deux opus les plus opératiques justement qui ont fait la renommée (ou la mauvaise réputation) d’Aria. Julien Temple (Absolute Beginners) jubile sur le Rigoletto de Verdi, s’enflammant pour une farce grotesque où un producteur de cinéma et son épouse se trompent allégrement dans le même hôtel californien et s’évitent de justesse dans une salle de balle ou un ersatz d’Elvis entonne « la donna è mobile ». De son côté, le génial Ken Russell (Tommy, Les Diables) imagine pour l’extrait de Turandot de Giacomo Puccini, une rêverie clinquante où une victime d’un accident de voiture confond les soins apportés par les urgentistes avec le fantasme d’un rituel tribal new waves.  

De vrais beaux moments de cinéma fougueux et imaginatifs auquel il faut indéniablement ajouter l’essai déconcertant de Jean-Luc Godard. Seul cinéaste français, voir non anglo-saxon de l’opération, il retrouve l’humour et le sens du décalage dont il avait pu faire preuve dans Pierrot le Fou ou Week-End (entre autres) et oppose avec délectation les fioritures baroques et le lyrisme d’Armide de Jean-Baptiste Lully à la vision de femmes de ménage dénudées tentant d’attirer le regard de bodybuilders très occupés à leurs exercices dans une salle de sport. Sans doute un moyen pour cinéaste de clamer le gigantesque fossé qui existe entre l’élégance créatrice du 17^ème siècle et le vide sidérale du culte de l’apparence des années 80, quitte à autodétruire au passage le long métrage en question…